Ausstellungen

Matthijs Röling - Mythos und Natur in Bad Frankenhausen

Die Exposition, die ca. 80 Gemälde, Zeichnungen und Skizzenbücher des niederländischen Künstlers Matthijs Röling zeigt, ist ein Kooperationsprojekt des Panorama  Museums mit dem Drents Museum in Assen (Niederlande)

Matthijs Röling (Oostkapelle, 1943) war einer der ersten Künstler in den Niederlanden, der sich für eine Rückkehr zur figurativen Kunst entschied und sich nicht der abstrakten und konzeptuellen Kunst seiner Zeit anschloss. Stattdessen sind es die klassischen Themen und Techniken, die ihn fesseln. Röling wurde auch als "jüngster der alten Meister" bezeichnet. Seine Stillleben, Porträts und mythischen Darstellungen sind von Harmonie geprägt. Über allem schwebt ein Hauch von Poesie und Intimität.

Röling ist mit der Kunst aufgewachsen. Durch Bücher, Museumsbesuche und Reisen vertieft er sich in die Kunstgeschichte. Röling lässt sich von so ziemlich jeder Kunst der Jahrhunderte inspirieren: von Renaissancemeistern wie Tizian über den französischen (Neo-)Impressionismus von Bonnard und Vuillard bis hin zu japanischer Kunst, Vermeer und Escher. Er beginnt ein Studium an den Kunstakademien in Den Haag und Amsterdam, das er aber nicht beendet, weil er mit der vorherrschenden abstrakten Kunst nicht einverstanden ist.

Matthijs Röling entwickelt sich in den ersten Jahren seiner künstlerischen Laufbahn zu einem echten Feinmaler. Er hat sich die technische Finesse angeeignet, um "alles malen zu können, was er will". Seine Selbstporträts zeigen einen selbstbewussten, aber auch neugierigen Blick. Die Gesichtszüge sind sehr präzise ausgearbeitet. Diese Technik kommt ihm auch bei seinen berühmten Kabinettbildern zugute: Stillleben in einem Holzschrank mit allerlei kuriosen Gegenständen, Textfragmenten und Trompe-l'oeil, die zusammen eine Geschichte erzählen. Auch seine anderen Stillleben sind voller Symbolik und Verweise auf eine ferne Vergangenheit oder eine Fantasiewelt. Sie bieten ein Fenster in eine andere Realität. Manchmal geht der Künstler noch einen Schritt weiter und entflieht der Realität, indem er buchstäblich in diese andere Welt eintritt. Diese Gemälde zeigen mythologische Figuren wie Faune und exotische Tiere.

Seit den 1980er Jahren malt Röling lockerer, impressionistischer, mit einer Beiläufigkeit, die mit seiner malerischen Entwicklung zu tun hat. Aber auch mit körperlichen Problemen an einer seiner Hände und einer notwendigen Operation, die feines Malen unmöglich machte. Der Pinselstrich wird wieder sichtbar. Das zeigt sich zum Beispiel in der Bilderserie des Künstlers von seinem Garten in Ezinge. Dabei lässt er sich von den Gartenbildern Gustav Klimts inspirieren. In allen Grün-, Gelb- und Blautönen malt Röling die wellenförmigen Linien der Buchsbaumhecken im Kontrast zu den wild blühenden Blumen. (Text: Annemiek Rens, Chefkuratorin des Drents Museum)

Abbildung: Matthijs Röling, Die letzten Besucher von Tivoli, 1997, Öl auf Holz, 183 x 340 cm, Drents Museum, Assen

Matthijs Röling - Mythos und Natur - www.panorama-museum.de

Über existentielle Widersprüche und Demokratie

Vor dem Hintergrund des Thüringer Wahljahres 2024 widmet die Klassik Stiftung Weimar ihr Themenjahr dem 20. Jahrhundert mit seinen radikalen Auf- wie Umbrüchen. Ausgewählte Sammlungsbestände der Stiftung werden im Kontext der historischen Wendepunkte 1924, 1933 und 1949 auf ihre Überlieferungszusammenhänge untersucht und etablierte Deutungsmuster hinterfragt. Im Fokus der Ausstellungen, Veranstaltungen und diskursiven Projekte steht jeweils die zentrale Frage, welche Verbindung Kultur und Politik immer wieder aufs Neue eingehen und welche Rolle Künstler*innen und Kunst in einer liberalen und weltoffenen Gesellschaft einnehmen können. Die Jahresausstellung der Stiftung setzt sich erstmals öffentlich mit dem Thema „Bauhaus und Nationalsozialismus” auseinander. Die dreiteilige Schau verdeutlicht die komplexe politische Geschichte des Bauhauses bis zu seiner Schließung 1933 und zeigt die äußerst unterschiedlichen Lebenswege der Bauhäusler*innen in der Diktatur. Dabei wird schnell klar, dass die Moderne niemals immun war gegenüber einer Verführbarkeit durch totalitäre Regime.

„Im Superwahljahr 2024 – 100 Jahre nach dem Rechtsruck in der Thüringer Landesregierung 1924, der zur Vertreibung des Staatlichen Bauhauses führte – wendet sich die Klassik Stiftung Weimar bewusst den existentiellen Widersprüchen des 20. Jahrhunderts zu, die unsere Gegenwart prägen. Mit dem Themenjahr ‚Auf/Bruch‘ beleuchten wir den Kampf um die Demokratie durch exemplarische Ereignisse, Persönlich­keiten und Kunstwerke. Wir fragen in Ausstellungen, Debatten, Bildungsangeboten und unserem Jahres­magazin nach der explosiven Verbindung von Kultur und Politik, Kunst und Macht – ein Thema, das gerade jetzt wieder hochbrisant wird. Damit zeigen wir als bedeutende Kultur- und Forschungsinstitution auch politisch Haltung“, so Präsidentin Ulrike Lorenz.

Die Jahresausstellung „Bauhaus und Nationalsozialismus“ vom 9. Mai bis zum 15. September untersucht erstmals die Verstrickungen des Staatlichen Bauhauses und seiner Angehörigen mit dem Nationalsozialismus nach 1933. An den drei Orten Bauhaus-Museum Weimar, Museum Neues Weimar und Schiller-Museum zeigt die Schau auf 1.000 Quadratmetern rund 450 Kunst- und Designobjekte aus Privatsammlungen und renommierten Museen in Europa und den USA.

Über viele Jahre galt das „gute“ Bauhaus als Gegenentwurf zum Nationalsozialismus – eine zu einseitige Deutung dieser Zeit. Studierende und Dozierende des Bauhauses finden sich während des Nationalsozialismus unter den Verfolgten wie auch unter den Profiteuren des Regimes. Das Museum Neues Weimar beleuchtet unter dem Titel „Politische Kämpfe um das Bauhaus 1919−1933” die künstlerischen und politischen Konflikte, die bereits mit der Gründung der Designschule in Weimar begannen und sich in Dessau und Berlin fortsetzten. Im Bauhaus-Museum Weimar geht es unter der Überschrift „Abgehängt – Beschlagnahmt – Angepasst 1930/1937” um die Beschlagnahmung der „entarteten Kunst“ 1937 und um ihre Vorläuferaktion in Weimar. Das Schiller-Museum widmet sich schließlich den Bauhaus-Mitgliedern und ihren „Lebenswegen in der Diktatur 1933−1945”. Thematisiert werden die Gratwanderungen, die sie angesichts der neuen politischen Verhältnisse nach 1933 vollzogen.

Die Ausstellung wird im Rahmen eines Festakts am 8. Mai gemeinsam mit dem Museum Zwangsarbeit im Nationalsozialismus der Stiftung Gedenkstätten Buchenwald und Mittelbau-Dora eröffnet.

Begleitende Formate (Auswahl)

„Sophie. Macht. Literatur. Eine Regentin erbt Goethe“
Bis 15. Dezember, Goethe- und Schiller-Archiv Weimar

Die Weimarer Großherzogin Sophie von Sachsen-Weimar-Eisenach wurde 1885 alleinige Erbin Goethes handschriftlicher Werke. Für die sichere Aufbewahrung der Handschriften wollte sie ein funktionales und zugleich würdiges Gebäude errichten lassen: das Goethe- und Schiller-Archiv. Sophie war aber nicht nur Bauherrin und Nachlassverwalterin, sondern auch Kulturpolitikerin. Sie verfolgte das Ziel, Goethes Schriften für die Öffentlichkeit zugänglich zu machen. Die Ausstellung „Sophie. Macht. Literatur“ setzt sich kritisch mit den Verdiensten Sophies auseinander und fragt nach den Verbindungen von Literatur und Politik.

Weitere Informationen: www.klassik-stiftung.de/sophie

Nietzsche-Archiv

Der Schwerpunkt „Weimar und der Nationalsozialismus“ wird bis zum 1. November durch ein Angebot im Nietzsche-Archiv ergänzt: Was hat Friedrich Nietzsche mit dem Nationalsozialismus zu tun? Warum konnten sich Faschisten und Antifaschisten zugleich für ihn begeistern? Die Kabinettausstellung „Nietzsche im Nationalsozialismus“ legt dar, wie aus einem europäischen Denker ein „deutscher Prophet“ wurde. Die Präsentation stellt die widersprüchlichen Nietzsche-Aneignungen vor und fragt nach der Verantwortung des berühmten Philosophen für diesen fatalen Bruch in seiner Wirkungsgeschichte. 

Studienzentrum der Herzogin Anna Amalia Bibliothek

Den Spuren einer an Auf- und Umbrüchen dramatisch reichen Zeit widmet sich die Präsentation „Monarchisten, Demokraten, Nationalsozialisten“ im Studienzentrum der Herzogin Anna Amalia Bibliothek. Im Fokus der Schau stehen vom 23. Mai bis zum 30. November handschriftliche Widmungen aus der ersten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts, deren Verfasser und Empfänger aus den unterschiedlichsten politischen Lagern stammten.

Schloss Belvedere und Liszt-Haus

Eine zeitgenössische Auseinandersetzung mit der bewegten deutschen Geschichte bietet die mehrteilige Ausstellung „Olaf Metzel: Deutschstunde“. An den historischen Orten Schloss Belvedere und Liszt-Haus gehen die politischen Werke des in Berlin geborenen Bildhauers und Objektkünstlers Metzel in einen inhaltlichen und ästhetischen Dialog mit der historischen Umgebung. Die Schau bildet vom 7. Juni bis 1. November den Auftakt der neuen Reihe „Weimar Contemporary“, mit der die Stiftung ihre Aktivitäten im Bereich der zeitgenössischen Kunst bündelt. Neben eigens für Weimar entstehenden Arbeiten sowie einer neuen Version von „NSU“ (2013/24) werden Installationen zum Aufeinandertreffen von Orient und Okzident wie „Kebap Monument“ (2007) oder „Turkish Delight“ (2006) zu sehen sein.

>> Das komplette Programm des Themenjahres „Auf/Bruch“ finden Sie hier.

Bad Elster: Textilkunst aus den Schichten der Zeit

Bad Elster/CVG. Im Zuge des 12. KunstFestes Bad Elster ist die Ausstellung „Schichtungen“ der Textilkünstlerin Britta Ankenbauer in der KunstWandelhalle Bad Elster zu sehen. Die Leipzigerin zeigt einen Querschnitt aus 20 Jahren ihres textilkünstlerischen Schaffens.

Schichten stehen dabei im Vordergrund der künstlerischen Beschäftigung mit Themen wie Zeit, Erinnerung und Veränderung in der Natur. Dazu verwendet die Künstlerin Textilien, Papier und anderes flexibles Material. Als Besonderheit verarbeitet sie hier Fotografien, Fundstücke, aber auch Wort und Text, um diese zu fragmentieren oder zu dekonstruieren und anschließend wieder neu zu verbinden. Dabei ist ihre Kunst immer als Dialog und als Spiel mit der Zeit zu sehen, bietet die Option der Verlangsamung. Zu sehen sind Arbeiten mit intensiv bearbeiteten Oberflächen, die eine Art Patina bilden, durch die man als Betrachter erst hindurchsehen muss. Andere Werke wiederum zeigen abstrakte, landschaftlich anmutende Bildwelten ohne erkennbare Horizonte, dafür aber bestückt mit textilen Lebenswelten und Erinnerungsmotiven, Abdrucken von Spitze und weiblichen Portraits des vorigen Jahrhunderts. Weitere Objekte der eindrucksvollen Ausstellung zeigen Garne und Gewebe, die hängend oder liegend ineinander verschlungen hinter flachen, digitalisierten Abbildungen erscheinen.

„Mit ihrer Kunst schafft Britta Ankenbauer Bildwelten, die auf den ersten Blick nicht schnell lesbar sind. Erst der zweite, verweilende Blick offenbart die Details und Tiefe, diese wirken wohltuend anders“ erklärt Ute Gallert als Ausstellungsverantwortliche der Chursächsischen Veranstaltungsgesellschaft und fügt hinzu: „Wie ein Seismograph erforscht die Künstlerin damit oft unsichtbare Bewegungen und Zusammenhänge – als textile Schichtungen ihres künstlerischen Ausdrucks.“ 

Zu sehen bis 9. Juni / Mittwoch bis Sonntag von 14.00 bis 17.30 Uhr sowie an den Wochenenden zusätzlich von 9.30 Uhr bis 12.00 Uhr sowie zu den Veranstaltungen in der KunstWandelhalle 

Der Eintritt ist frei. www.kunstwandelhalle.de

Foto: Robert Reissner

Kunstverein Gera präsentiert Arbeiten von Stefan Vogel (Leipzig)

Unter dem Titel "von wegen" stellt der Kunstverein Gera das Schaffen des multimedial arbeitenden Künstlers Stefan Vogel vor.

Sprache, Text und Bild verdichten sich im Werk des 1981 geborenen Künstlers Stefan Vogel zu einem fragilen Beziehungsgeflecht aus Zeichnungen, Collagen und raumfüllenden Installationen zusammen. Die dabei entstehenden Materialbilder sind berührend direkt, ursprünglich und lassen sich als Projektionsfläche lesen, die auf ironische wie gleichsam eindrückliche Weise auf die eigene Existenz verweisen. Haare im Abfluss, leere Tablettenverpackungen, banale Gedanken und absurde Wortfindungen entwickeln im Zusammenspiel mit Baustoffen wie Beton, Silikon oder Kacheln ambivalente und sich überlagernde Gefüge, dessen einzelne Komponenten sich zu Sprachbildern voller eigenwilliger Poesie verknüpfen. Ein Erlebnis ganz besonderer Art.
Der Künstler Stefan Vogel lebt und arbeitet in Leipzig

Öffentliche Führung mit Stefan Vogel am 16. Juni, 11 Uhr / Ausstellung zu sehen bis bis 29. Juni 

Kunstverein Gera e.V., Markt 8/9 | 07545 Gera

Öffnungszeiten: Freitag bis Samstag 15:00 - 18:00 Uhr

Bad Elster: Kunstvolle Reise ins Unbekannte

Bad Elster/CVG. Die Galerie des Königlichen Kurhauses Bad Elster zeigt bis 31. Mai die Ausstellung »Reise ins Unbekannte« der thüringischen Künstlerin Anke Pradel-Schönknecht.

Die Ausstellung zeigt eine Vielzahl unterschiedlicher Reliefb­ilder und Artquilts, die durch das Spiel mit verschiedenen Strukturen gemeinsam verbunden sind und die Faszination der Künstlerin für plastische Oberflächen und formbare Materialien zeigen. Auf der Leinwand mischt die Künstlerin bevorzugt Papiere, feste Materialien, strukturierte, teilweise eigens verfremdete Stoffe und Malerei. Das Ergebnis sind phantasievolle Materialreliefs. Ihre Artquilts erlauben weniger feste Materialien, sind dafür wesentlich flexibler und verbinden eher besonders dicke und nähbare Materialien. Neben den Reliefbildern und den Artquilts komplettiert ein Kostüm die Werkschau der Künstlerin, welches ihrer 16-jährigen Tätigkeit als Kostümbildnerin am Meininger Staatstheater stammt. Die innovative Textilkunst ist für Anke Pradel-Schönknecht eine wundervolle, vielschichtige künstlerische Ausdrucksform und schickt die Künstlerin im Bearbeiten von Materialien auf eine »Reise ins Unbekannte«.

„In dieser Werkschau zeigt sich ein durchgängig kreativer Gestaltungswille, in dessen Umsetzung und Vollendung sie sich unterschiedlichster Materialien bedient.“ erklärt Ute Gallert als Ausstellungsverantwortliche der Chursächsischen Veranstaltungsgesellschaft und fügt hinzu: „Das Spiel mit den Materialien und scheinbar unmöglich erscheinende Technikkombinationen sind für die sehr formstarke Künstlerin gleichzeitig leidenschaftliche Forschung und eine Entdeckungsreise in neue Welten.“

Montag bis Freitag von 9.00 bis 17.00 Uhr sowie zu den Veranstaltungen im Königlichen Kurhaus Bad Elster. Der Eintritt ist frei. www.chursaechsische.de

Foto: Robert Reissner

Der Mann unter der 1000-jährigen Eiche

Ausgehend von der einzigartigen Nöbdenitzer Eiche (Foto: Frank Leo), die Kulturdenkmal und Naturdenkmal gleichermaßen ist, stellt die Sonderausstellung beeindruckende Uralteichen aus ganz Europa vor. Die Ausstellung nimmt ihren Ausgangspunkt im nahe Posterstein gelegenen Ort Nöbdenitz, stellt dann aber mächtige und alte Eichen aus ganz Europa vor. Ganz unterschiedlich gehen Menschen mit diesen Bäumen um, aber fast überall begegnet man ihnen mit Ehrfurcht und Faszination.

Die Sonderschau „Der Mann unter der 1000-jährigen Eiche – Über den Umgang mit faszinierenden Baumdenkmalen“ ist Teil des „Thümmel-Jahres 2024“ im Altenburger, das an den Sachsen-Gotha-Altenburgischen Minister Hans Wilhelm von Thümmel (1744–1824) erinnert. Seine Grabstätte befindet sich in den Wurzeln der 1000-jährigen Eiche von Nöbdenitz.

Egal, ob sie nun 1000 Jahre alt ist oder noch nicht ganz, die Nöbdenitzer Eiche, mit dem Grab eines Ministers in den Wurzeln, ist einzigartig. - Darüber hinaus geht es um die Frage: Was braucht es, damit Bäume heute noch so alt werden können? Eine Bildergalerie erzählt die Geschichten von 39 beeindruckenden Eichen aus ganz Europa – darunter Frankreich, England, Dänemark, Schweden, Polen und Tschechien. Dafür stellten dem Museum über 40 engagierte Baum-Liebhaber Fotos und Informationen zur Verfügung, darunter Forstwissenschaftler, Künstler, Vereine, Museumskollegen, Touristiker und Fotografen.

Darüber hinaus geht es um die Eiche als Naturdenkmal und als Lebensraum. Welche Eichen im Landkreis Altenburger Land haben das Potential dazu, so alt zu werden, wenn wir ihnen den Raum dafür lassen? Manche der vorgestellten Eichen sind Kultur- und Naturdenkmal in einem. Genauso ist es bei der Nöbdenitzer Eiche, aber auch bei der zu einer Kapelle umgebauten Eiche im französischen Allouville, der Körnereiche im tschechischen Karlsbad oder der Chrobry-Eiche im polnischen Piotrowice, deren Eicheln der Papst segnete. Die Eichengeschichten sind vielfältig. Die Ausstellung ist Teil des Thümmel-Jahres im Altenburger Land, das die Person und das Wirken des bedeutenden Staatsmannes Hans Wilhelm von Thümmel ein ganzes Jahr lang mit Veranstaltungen und Ausstellungen in den Mittelpunkt stellt. Mehr Informationen zu Thümmel gibt es in der Dauerausstellung des Museums, im Blog des Museums und im Podcast „LeseZEIT auf Burg Posterstein“.

Auf Grund der Internationalität der Eichen und der Kooperationspartner ist die Ausstellung zweisprachig, auf Deutsch und Englisch. Zur Ausstellung erscheint eine aktualisierte Neuauflage der vergriffenen Thümmel-Biografie von 2016. Die Sonderschau begleitet eine digitale Ausstellung: 

Faszinierende Baumdenkmale - Museum Burg Posterstein (burg-posterstein.de)

Jena: Graphic Novel Ausstellung „Drei Steine“

Nils Oskamp erzählt in seiner autobiografischen Graphic Novel „Drei Steine“ die Geschichte seiner Jugend in den 1980er Jahren in Dortmund-Dorstfeld, wo er Opfer rechter Gewalt wurde.

Als ein Mitschüler in der Schulklasse den Holocaust verleugnet und weitere Nazi-Parolen propagiert, lehnt sich Nils Oskamp dagegen auf und sagt ihm und seinen Mitschüler:innen klar seine Meinung. Dadurch macht er sich zur Zielscheibe der örtlichen Neonazis und es beginnt ein Kampf ums nackte Überleben.

Nils Oskamp zeigt in eindrücklichen Bildern, wie die Leher:innen und die Polizei die Bedrohung nicht ernst nehmen und auch die Familie die Gefahr nicht erkennt. Mehrfach wird er krankenhausreif geschlagen. Die Spirale der Gewalt eskaliert und gipfelt in zwei Mordanschlägen.

Nils Oskamp ist in Dortmund aufgewachsen und studierte im Ruhrgebiet Grafikdesign mit dem Schwerpunkt Illustration. Die Graphic Novel über seine Jugend, sein Leben mit der Angst und die Ohnmacht von Staat und Bevölkerung gegenüber rechtsradikaler Gewalt, ist eine beeindruckende Mahnung an alle, die den Rechtsradikalismus verharmlosen. Ein Werk, das umso bedrückender ist, da es auch dokumentiert, dass die rechte Bedrohung inmitten unserer Gesellschaft wächst.

Die Ausstellung war seit 2017 an vielen Orten in ganz Deutschland zu sehen und zeigt Original-Zeichnungen, Gemälde, Studien, Texttafeln, ein Diorama sowie eine Medienstation mit Video-, Audio- und Foto-Beiträgen.

Das Angebot richtet sich an Jede:n und insbesondere an Lehrkräfte sowie Pädagog:innen, die einen kostenfreien Besuch der Ausstellung für ihre politische Bildungsarbeit mit Schüler:innen und Schulklassen nutzen möchten. Online steht ergänzendes pädagogisches Begleitmaterial für den Einsatz im Unterricht zur Verfügung. Besuchstermine sind gern auch außerhalb der regulären Öffnungszeiten nach vorheriger Vereinbarung möglich.

Vernissage: Freitag, 3. Mai, 19.30 Uhr - Eintritt frei 

Gera: Sven Schmidt stellt Arbeiten der Galerie M1 aus

“Machen“ ist die neue Ausstellung von Sven Schmidt betitelt, die bis zum 2. Juni in der Galerie M1 am Mohrenplatz in Gera-Untermhaus sehen ist

Sven Schmidt, 1959 in Gera geboren, absolvierte ein Designstudium an der Hochschule für Kunst und Design in Halle/Saale und war 1986 bis 1988 Meisterschüler für Malerei/Grafik bei Prof. F. Ruddigkeit, Halle/Saale. Er ist Gründungsmitglied der „M1-Kunstzone“ Produzentengalerie in Gera und des Kunstzone Gera e.V. Er lebt und arbeitet freischaffend in Gera.

Zum Foto: Angelika Steinmetz-Oppelland, die die Laudatio zur Eröffnung hielt, Sven Schmidt, und der Schriftsteller Uwe Saeger; im Hintergrund Arbeiten von Schmidt zu Saegers Stück „Die verliebte Maus“.

Ausstellung geöffnet Di.-Fr. von 14.00-17.00 Uhr sowie Sa.-So. von 13.00-17.00 Uhr

www.schmidtart.de

Weimar: Eine Niederländerin fördert die deutsche Kulturnation

Zum 200. Mal jährt sich 2024 der Geburtstag einer außergewöhnlichen Frau: der Großherzogin Sophie von Sachsen-Weimar-Eisenach. Ihr Wirken ging weit über das für Regentinnen übliche kulturelle Mäzenatentum hinaus. Mit der Initiierung der ersten Gesamtausgabe von Goethes Werken, der Weimarer Ausgabe, und der Gründung des ersten forschungsbasierten Literaturarchivs auf deutschem Boden schrieb sich die gebürtige Niederländerin unwiederbringlich in die deutsche Kulturgeschichte ein und prägte das (inter-)nationale Goethe-Bild bis heute. Die Sonderausstellung „Sophie. Macht. Literatur – Eine Regentin erbt Goethe“, die bis zum 15. Dezember im Goethe- und Schiller-Archiv zu sehen ist, widmet sich kritisch den Verdiensten Sophies und fragt, in welchem Wechselverhältnis Literatur und Macht in der damaligen wie auch in der aktuellen Kulturpolitik stehen.

„Sophies Initiative, Goethes Nachlass der Öffentlichkeit zugänglich zu machen und zu erforschen, war entscheidend für die Anerkennung der Dichterhandschriften als UNESCO-Weltdokumentenerbe ,Memory of the World‘ 2001. Ihr persönliches und ihr finanzielles Engagement ermöglichten den Bau des Goethe- und Schiller-Archivs, das sich zu einem Zentrum für unser literarisch-kulturelles Gedächtnis des 18. und 19. Jahrhunderts entwickelt hat“, erläutert Dr. Christian Hain, kommissarischer Direktor des Archivs.

Im April 1885 erhält die bereits 61-jährige Großherzogin als Alleinerbin den handschriftlichen Nachlass Johann Wolfgang von Goethes. Bereits fünf Tage nach der Testamentseröffnung lässt Sophie die wertvollen Handschriften ins Weimarer Stadtschloss bringen. Schon im Mai steht der Masterplan der kulturpolitisch aktiven Regentin: Neben der Errichtung eines Goethe-Archivs strebt sie die Erarbeitung der ersten Gesamtausgabe von Goethes Werken und die Erstellung einer umfassenden Goethe-Biografie an. Unter dem Einfluss des Wilhelminischen Zeitgeistes, der nationale Identität nicht ohne nationale Literatur denkt, erkennt Sophie das Potential des Dichters und Geheimen Rats als geeigneter Projektionsfigur. Komplementär zur politischen Hauptstadt Berlin ist Weimar als geistiges Zentrum Deutschlands zu etablieren. Um ihre Ziele zu verwirklichen, greift Sophie hin und wieder selbst ins Forschungsgeschehen ein: so muss Herman Grimm sein Vorwort zur Goethe-Gesamtausgabe mehrfach ändern, erotische Passagen aus Goethes „Venetianischen Epigrammen“ und „Römischen Elegien“ werden vor der Veröffentlichung zurückgehalten. Nicht an der Weimarer Ausgabe beteiligten Forschern wird schließlich der Zugang zu Goethes Handschriften verwehrt, um den Exklusivanspruch des patriotischen Großprojekts nicht zu gefährden.

Die Ausstellung „Sophie. Macht. Literatur“ führt das Wirken einer Niederländerin vor Augen, die zwei der renommiertesten nationalstaatlichen Projekte zur Förderung deutscher Literatur umsetzt und größtenteils aus ihrem Privatvermögen finanziert. Einmal mehr wird damit deutlich, dass Archive und die in ihnen aufbewahrten Nachlässe auch stets gesellschaftspolitisch beeinflusste und wirkende Instanzen zur Fortschreibung des kollektiven Gedächtnisses sind.

Die nächsten Veranstaltungen im Begleitprogramm:

15. Mai | 12. Juni |  jeweils um 15 Uhr - Kurator*innenführungen

16. Mai | 17 Uhr - „Sophie in Weimar“ - Lesung der niederländischen Biografin Thera Coppens

13. Juni | 17 Uhr - „Eingeladen sind Sie ja…“ - Lesung aus den Zu- und Absagen zur Einweihung des Goethe- und Schiller-Archivs von Birgitta Assheuer (Sprecherin in Film, Fernsehen und Hörfunk)

Abbildung: Lauchert, Sophie v. SWE, © Klassik Stiftung Weimar

Jost Heyder: Seele und Imagination – Eine Spurensuche

Der Thüringer Künstler Jost Heyder, einer der bedeutendsten Porträtisten in Deutschland, wird siebzig. Das ist Anlass für einen Schaffensrückblick. Der Künstler lebte 16 Jahre in Eisenach. In Würdigung seines bisherigen Lebenswerkes zeigt das Thüringer Museum Eisenach die Werkretrospektive „Jost Heyder / Seele und Imagination – Eine Spurensuche / Malerei und Grafik 1980 – 2024“. Damit wird zugleich der sanierte Marstall als Ort für wechselnde Ausstellungen wieder eröffnet. Eine eindrucksvolle Auswahl von Bildnissen, Akten, figurativen Szenerien und Landschaften leitet vom 27. April bis 2. August das Jubiläumsjahr „125 Jahre Thüringer Museum Eisenach“ ein.

„Spannend für mich wird es, wenn sich aus einer Farbfläche allmählich ein Schulteransatz, eine Kerze oder ein Bühnenboden herausbilden.“ So beschreibt er den grundlegenden Schöpfungsprozess seiner Gemälde, Zeichnungen, Aquarelle und Druckgrafiken. Narrenfiguren in widersprüchlichen Rollen, schonungslose Selbstbildnisse, lustvoll vibrierende Akte, atmosphärische Landschaften und Stadtansichten, Augen als tiefe Tore zur Seele der Porträtierten, wildes Treiben auf farb- und formenreichen Bildbühnen strömt kraftvoll auf die Lebensbühne des Betrachters … Der Weg durch die vielgestaltige Bildwelt verführt zu einer Spurensuche nach der Handschrift des Künstlers.

Wer bin ich – Porträt-Kunst als Weg, sich selbst zu entdecken? Jost Heyder porträtierte kulturprägende Persönlichkeiten wie Hermann Hesse, Günter Grass und Bernhard Vogel ebenso wie viele Menschen in privatem Auftrag. Eine eindrucksvolle Bildnis-Auswahl des Malers macht Lust darauf, sich selbst vom Meister porträtieren zu lassen. Ein Workshop zum Porträtieren eines Modells lädt zusätzlich zum Eigenexperiment ein.

Wie lässt sich ein tragfähiges Menschen-Bild modellieren? Die vielfältigen Werkgruppen liefern sinnliche und bewegende Sinn-Bilder für ein Menschen-Modell aus Geist, Seele, Verstand, Körper und Mitwelt. Ein Ausstellungsbesuch verführt zu einer umfassenden Wesens-Schau und zu Fragen nach den ewigen Grund-Werten menschlichen Da-Seins.

Abbildung: Jost Heyder, Liegende auf rot, 2017 © Repro: Falko Behr

Jena: Weite Horizonte bei Huber & Treff

Sibylle Prange liebt weite Horizonte, Wasser und hohe Himmel. Ihre Bildmotive sind erinnerte Landschaften, die sie auf Reisen erfährt und im Atelier auf die Leinwand bringt. Zwischen Melancholie und heiterer Achtsamkeit changierend, scheinen die Bilder den Betrachter aufzufordern sich des eigenen Seins zu vergewissern. Lichtreflexe zwischen Seerosenblättern, eine windschiefe Hütte oder menschenleere Straßen, die ins  Seite führen, weisen auf die Schönheit aber auch die Vergänglichkeit jedes einzelnen Momentes hin.

Vernissage am 3. Mai um 20 Uhr, Galerie Huber & Treff, Charlottenstr. 19  // Laudatio: Nadine Rall, Kunsthistorikerin, Musik: Schüller

H&T - Berlin (huber-treff.de)

Rudolstadt: Thüringer Porzellane der ahlers collection

Seit 2016 befindet sich eine beachtliche Sammlung an Thüringer Porzellanen des 18. Jahrhunderts der ahlers collection als Dauerleihgabe im Residenzschloss Heidecksburg. Die Sammlung besteht aus 360 Positionen an fein bemaltem Geschirrporzellan sowie herausragenden Figurenschätzen aus Volkstedt, Closter Veilsdorf, Limbach und Wallendorf. Gegenwärtig bereichern bereits einige Objekte die Dauerausstellungen im Thüringer Landesmuseum Heidecksburg.

Die Sammlung ist auf die langjährige Leidenschaft für Kunst von Jan A. Ahlers zurückzuführen. Die Unternehmensgruppe Ahlers fördert Kunst- und Kulturprojekte als Teil ihrer Unternehmensphilosophie. Ahlers, familiengeführt in dritter Generation, ist ein großer europäischer Hersteller für Männer-Mode und geht zurück auf eine im Jahre 1919 von Adolf Ahlers im friesischen Jever gegründete Tuch-Großhandlung. In der Sonderausstellung 2023 soll diese Sammlung an Thüringer Porzellanen des 18. Jahrhundert erstmals umfassend öffentlich präsentiert werden. Dabei richtet sich der Fokus auf Thüringer Kunst- und Kulturgeschichte, auf Esskultur ebenso wie auf die Vermittlung von Bewusstsein und Wertschätzung für Manufakturarbeit.

Das Ohr von Giacometti

Als „wunderschöne Garconne mischte sie schon 19jährig die Pariser Kunstwelt auf: Meret Oppenheim (1913-1985).  Nicht weinen, arbeiten!“ – so lautet das Credo für diese ungewöhnliche Frau und Muse, die als deutsch-schweizerische Malerin, Bildhauerin, Schmuck- und Kostümgestalterin international zu beeindrucken wusste. Nun kann man ihrem Werk in Apoldas Kunsthaus zusammen mit Arbeiten von Andre Breton, Jürgen Brodwolf, Marcel Duchamp, Max Ernst, Dora Maar, Rene Magritte, Man Ray und anderen ihrer Freunde begegnen.

Nachdem die schreibende und fotografieren Oppenheim das Atelier des Bildhauers Alberto Giacometti besucht hatte, schloss sie sich den Surrealisten um André Breton an und beteiligte sich an deren Ausstellungen. Dabei entstand 1933 jene berühmte Akt-Foto-Serie von Man Ray „Erotique-voile´, an die auch in der Apoldaer Schau erinnert wird.  Dies neben der von Oppenheim geschaffenen Objekten „Urzeitvenus“, dem „Ohr von Giacometti“ oder dem „Ring mit dem Zuckerwürfel“.

In jenen Jahren verband die Künstlerin mit dem Maler, Grafiker und Bildhauer Max Ernst eine Liebesbeziehung und fand sie in der italienischen Malerin Leonor Fini eine enge Freundin. Mit ihr nahm sie an den wilden Kostümfesten der Pariser Freunde teil. Fragt man heute nach einem Werk der Oppenheim, das einem spontan in den Sinn kommen könnte, dann dürfte es ihre „Pelztasse“ (1936) sein. Jene wurde „zur Inkunabel surrealistischer Objektkunst und zugleich zum erdrückenden Ruhmesobjekt der Künstlerin“.

Gern erzählt wird nämlich, dass sie mit Pablo Picasso und dessen berühmter Geliebten Dora Maar im „Cafe´ de Flore“ in Paris saß und einen Messingarmreif mit Pelzbesatz trug. Jener ließ Picasso wohl scherzen, man könne ja alles mit Pelz beziehen, woraufhin sie erwidert haben soll: „Sogar diese Tasse und Untertasse.“ Gesagt getan, eine Ikone der Moderne war geboren und damit das erste Werk einer Künstlerin, das wiederum für 200 Franken vom New Yorker Museum of Modern Art erworben wurde.

Jene Tasse samt Untertasse ist zwar nicht Apolda vertreten, dafür aber die legendären „Traumzeichnungen“ dieser bekennenden Feministin.  Im Übrigen lässt sich die Oppenheim stilistisch nicht eindeutig einordnen. Was auch immer ihr Atelier verließ, erregte Aufmerksamkeit, war sie doch eine attraktive Exzentrikerin, die – wenn man so will - sogar den aktuellen Unisex-Look in ihrer Zeit vorwegnahm.

Zum Kreis der Pariser Surrealisten gehörte Dora Maar. Von ihr stammen Aufnahmen von Meret für Modemagazine. So zeigt die Ausstellung eine entspannt verführerisch im Bett posierende Oppenheim (1936). Anderweitig ins Auge fallend sind in den Etagen des Kunsthauses u.a.  Max Ernsts „Photogramm“ in Durchreibetechnik (1921) oder Marcel Duchamps Multiple-Buch zum Surrealismus (1947).

Die Apoldaer Schau erinnert zudem an die Zusammenarbeit der documenta 7-Teilnehmerin mit dem schweizer Regisseur, Bildhauer und Erfinder der Eat-Art Daniel Spoerri. So wirkte sie 1956 an dessen Inszenierung von Picassos absurdem Theaterstück „Wie man die Wünsche beim Schwanz packt“ mit, in dem sie Texte übersetzte, Kostüme entwarf und als Schauspielerin agierte.

Von Meret Oppenheim, die sich leidenschaftlich für Künstlerinnenrechte einsetzte, sind markante Zitate überliefert. So betonte sie 1975 zur Übergabe des Kunstpreises der Stadt Basel: „Die Freiheit wird einem nicht gegeben, man muss sie nehmen.“  Sie bezog sich dabei nicht zuletzt auf von Äußerlichkeiten befreite Frauen und plädierte für eine die geltenden Tabus brechende Lebensweise. Ihre letzte Ruhestätte fand sie übrigens im Tessiner Künstlerdorf Carona.

Im Begleitprogramm sind Vorträge (19. Juni und 4. Juli) sowie eine Kunstauktion am 2. Juni von 15 bis 18 Uhr.

Die Ausstellung in der Bahnhofstraße 42 ist bis zum 18. August geöffnet, Dienstag bis Sonntag von 10 bis 17 Uhr.

Jena: Talare – zwischen Muff und Autonomie

Jena (Uni/abu) Talare sind als Amtskleidung aus Kirche, Gerichten und Universitäten bekannt und als Zeichen von Machtausübung nicht selten umstritten. Die 68er-Bewegung skandierte in Westdeutschland „Unter den Talaren – Muff von tausend Jahren“ und lehnte die traditionellen Gewänder der Professoren als Sinnbilder für die fehlende Aufarbeitung der NS-Geschichte und für erstarrte Gesellschaftsverhältnisse ab. Fast zeitgleich, aber unter anderen politischen Vorzeichen, wurde das Ritual des Talar-Tragens in der DDR weitgehend aufgegeben. In Folge der dritten Hochschulreform, mit der die SED die alten Strukturen an den Universitäten beseitigte, wurde das Tragen der akademischen Kleidung auch hier unüblich.

Nach der Wende tauchten die Talare im Osten der wiedervereinigten Republik aber rasch wieder an den Universitäten auf – auch an der Friedrich-Schiller-Universität Jena. Hier wurden und werden sie als Zeichen der Autonomie und Freiheit von Wissenschaft, Forschung und Lehre bei Festveranstaltungen getragen. Doch nicht jeder Professor oder jede Professorin kann sich mit diesem Kleidungsstück anfreunden. Diesen Zwiespalt und viele weitere Fragen beleuchtet die neue Sonderausstellung „Hat das Zukunft oder kann das weg? Zur Jenaer Talartradition“ an der Friedrich-Schiller-Universität Jena. Die Porträtfotografie-Ausstellung ist bis 30. April in der Thüringer Universitäts- und Landesbibliothek (Bibliotheksplatz 2) zu sehen.

Das Verhältnis von Tradition und Moderne

Die Fotografin Carlotta Wegener hat Professorinnen und Professoren der Friedrich-Schiller-Universität Jena, die Talar tragen, im Ornat fotografiert. Wegeners Fotografien thematisieren das Verhältnis von Tradition und Moderne, die kommunikative Funktion von Kleidung und Aspekte des universitären Alltags. Carlotta Wegener studiert an der Bauhaus-Universität in Weimar visuelle Kommunikation sowie an der Universität für angewandte Kunst in Wien Fotografie. Ihre Arbeiten bewegen sich zwischen den Genres Porträt-, künstlerischer Dokumentar- und Modefotografie.

Studentische Interviews zum Talar-Tragen

Neben ihren großformatigen Porträts werden in der Ausstellung Interviews mit den Porträtierten ausliegen, die Studierende der Jenaer Universität geführt haben. Darin lassen sich die persönlichen Gedanken und Positionen zum Ritual des Talar-Tragens nachlesen. Und auch das Publikum kann seine Meinung zum Thema abgeben.

Konzipiert und realisiert wurde die Ausstellung im Rahmen eines zweisemestrigen Praxismoduls, das am Seminar für Volkskunde/Kulturgeschichte und in Kooperation mit der Kustodie (Kunstsammlung) der Friedrich-Schiller-Universität Jena angeboten wurde. Die Fotoschau wurde von der Thüringer Universitäts- und Landesbibliothek sowie der Bauhaus-Universität Weimar unterstützt und von der Friedrich-Schiller-Universität Jena sowie ihrer Gesellschaft der Freunde und Förderer gefördert.

Öffnungszeiten der Ausstellung: Mo-Fr 8-22 Uhr, Sa 10-20 Uhr, So 10-19 Uhr

Chemnitz: Sieh Dir die Menschen an!

Die Ausstellung Sieh dir die Menschen an! im Museum Gunzenhauser betrachtet das neusachliche Typenporträt erstmals eingehend im historischen Kontext. Gezeigt werden zahlreiche Werke, in denen Künstler:innen wie Otto Dix, George Grosz, Jeanne Mammen und Hanna Nagel das »Typische« der porträtierten Personen in den Vordergrund stellten. Zentral bei diesem Ansatz ist die Frage: Was verrät unser Gesicht über unseren Charakter, über unser Leben und über unsere politische Gesinnung?

In der Weimarer Zeit war das Denken in Typen weitverbreitet. Überlegungen zu Physiognomie, Typenlehre und Charakterologie waren sowohl in wissenschaftlichen Veröffentlichungen, als auch in den prosperierenden Zeitungen, Filmen und in der Literatur allgegenwärtig. So auch im erstmals 1930 erschienenen Ratgeber von Gerhard Venzmer »Sieh dir die Menschen an!« – der der Ausstellung fast schon mahnend den Titel gibt. Das in Stuttgart erschienene Buch sollte laut Verlag »anschaulich die inneren Beziehungen zwischen Körperform und Wesensart des Menschen« erklären. Aus heutiger Sicht muss jedoch betont werden, dass trotz der enormen Reichweite der Publikation, die hier formulierten Thesen nicht über pseudowissenschaftliches Fabulieren hinauskamen – aber schwerwiegende Folgen hatten. Schließlich diente den Nationalsozialisten der Denkansatz als Vorlage für ihre Rassenideologie und lieferte damit ein zentrales Argument ihrer Vernichtungsmaschinerie.

Die Ausstellung nimmt den Kerngedanken des beschriebenen gesamtgesellschaftlichen Diskurses zur Zeit der Weimarer Republik in den Fokus und betrachtet ihn kritisch. Heute wird dieses Denken häufig als Kategorisierungs- und Typisierungswahn einer orientierungssuchenden Epoche bewertet. Jedoch kann schnell festgestellt werden, dass viele Stereotype und Klischees von damals bis in die Gegenwart nachwirken und weiterhin den Blick auf unser Gegenüberbeeinflussen. So schlägt die Ausstellung einen direkten Bogen in die Gegenwart mit einer eigens für die Ausstellung konzipierten Installation Alpha Dog von Cemile Sahin. Darin untersucht die Künstlerin, wie historische Methoden der Typisierung durch moderne Technologien für militärische Zwecke und zur Überwachung weiterentwickelt wurden. Dazu setzt sie sogenannte Roboterhunde ein: vierbeinige Laufroboter, die Hunden ähneln und in ihrer hochpreisigen Version mit einer KI-basierten Gesichtserkennung ausgestattet sind.

Eine Ausstellung des Kunstmuseums Stuttgart in Kooperation mit den Kunstsammlungen Chemnitz – Museum Gunzenhauser

Mehr Informationen / Begleitprogramm: www.kunstsammlungen-chemnitz.de

Sonderausstellungen auf Burg Schönfels

Bis 18. August ist die Ausstellung „Traktor, Hüpffrosch, Teddybär - Kinderspielzeug in der DDR“ in der Unterburg des Museums zu sehen. Die Ausstellung will nicht nur nostalgische Erinnerungen wecken. Die bunte Spielwarenwelt der DDR gibt Einblick in das Selbstverständnis einer vergangenen, aber noch nicht allzu fernen Gesellschaftsordnung. Eine Gesellschaft, in der Spielzeug immer auch Spiegelbild sozialistischer Ideale, einer bipolaren Welt und der Lebenswirklichkeit in einem geteilten Land war. Mit Spielzeug aus der Sammlung Andreas Reißmann will die Ausstellung ein tieferes Verständnis für die gesellschaftlichen und politischen Dynamiken in der DDR ermöglichen. Anhand von sieben Themenkomplexen werden historische Traditionslinien nachgezeichnet, die Beziehungen zu den sozialistischen Nachbarländern diskutiert und die Ideologisierung des Spielzeugs durch Berufs- und Geschlechterrollen aufgezeigt. Seien Sie eingeladen, in Kindheitserinnerungen zu schwelgen und gleichzeitig kritisch über die gesellschaftliche Bedeutung von Spiel und Spielzeug in der nahen Vergangenheit und im Hier und Jetzt nachzudenken.

Bis zum 15. September findet im Rittersaal der Burg Schönfels die Kunstausstellung „wOOLaRT - Bilder von Barbara Haubold“ statt. Tauchen Sie ein in eine Welt der Farben, Texturen und handwerklichen Meisterwerke, die alle aus dem einzigartigen Material Wolle entstanden sind. Wolle hat eine lange Geschichte in der Welt. Seit Jahrhunderten wird sie von Künstler*innen auf der ganzen Welt als Medium für ihre kreativen Ausdrucksformen genutzt. Ihre weiche Textur, ihre lebendigen Farben und ihre Fähigkeit, Licht auf spektakuläre Weise zu reflektieren, machen sie zu einem einzigartigen Werkstoff für die Schaffung innovativer Kunstwerke. Die Ausstellung präsentiert eine facettenreiche und faszinierende Auswahl aus dem Wollbilderzyklus von Barbara Haubold. Die außergewöhnliche Künstlerin zeigt in ihren Werken sowohl zarte Landschaften als auch abstrakte Kompositionen und präsentiert somit das beeindruckende Spektrum dieses Materials. Lassen Sie sich von Barbara Haubolds Leidenschaft inspirieren und entdecken Sie Wolle neu!

Gera: Ans Licht gebracht. Schätze aus dem Depot

Die Kunstsammlung Gera präsentiert in der neuen Sonderausstellung „Ans Licht gebracht“ im Südflügel der Orangerie ausgewählte Werke aus dem eigenen Sammlungsbestand. Im Geraer Museumsdepot wird ein großer Fundus an Gemälden, Zeichnungen, Druckgrafiken und Plastiken vom Mittelalter bis zur Gegenwart beherbergt– Schätze, die dem Publikum bisher lange verborgen blieben und die jetzt aus dem Schattendasein der Magazine an Licht der Öffentlichkeit gebracht werden. Die Exposition ist die letzte Sonderausstellung in der Orangerie bevor Ende Mai der umfangreiche Umbau zur neuen Otto-Dix-Dauerausstellung erfolgt, die am 3. Oktober 2024 eröffnet werden und sich über Nord- und Südflügel der Orangerie erstrecken wird. Grund genug sich noch einmal mit frischem Blick dem eigenen Sammlungsbestand zu widmen und eine Ausstellung zu konzipieren, die die Werke nach künstlerischen, formal-ästhetischen und gesellschaftlichen Bedeutungen befragt. Gezeigt werden 53 Gemälde, 23 Arbeiten auf Papier sowie 8 Plastiken.

Die 84 Werke entstanden von beginnenden 16. bis zum Ausgang des 20. Jahrhunderts und liefern damit einen repräsentativen Streifzug durch die Vielfältigkeit der Sammlung. Die Basis für die Auswahl bildeten vornehmlich Werke aus dem historischen Sammlungsbestand, der Behrens-Weise-Sammlung, dem bedeutenden Werkbestand zur Kunst des 19. und frühen 20. Jahrhunderts im Museum sowie den Dauerleihgaben der Sammlung Niescher. Neben großen und bekannten Künstlern der Kunstgeschichte wie Andreas Achenbach, Oswald Achenbach, Peter Breuer, Heinrich Bürkel, Lucas Cranach d. Ä., Albrecht Dürer, Rainer Fetting, Paul Gauguin, Frans Hals, Willy Hamacher, Erich Heckel, Willem van Mieris, Friedrich Phillipp und Heinrich Reinhold, Auguste Renoir, Auguste Rodin, Antonio Rotta sind auch eindringliche Werke von Gegenwartskünstlern wie Rainer Fetting, Lutz R. Ketscher, Wolf Vostell und Jan Brokof zu sehen. Die malerische Bandbreite reicht beispielsweise von den in altmeisterlicher Lasurmalerei ausgeführten Landschaften und Genrebildern der Niederländer Peter de Neyn, Jan van Kessel und Willem van Mieris aus dem 17. Jahrhundert, über die idyllisch-arkadischen Landschaften von Friedrich Phillipp Reinhold, den feinstrukturierten Naturstudien seines Bruders Heinrich Reinhold und den Landschafts- und Genredarstellungen von Heinrich Bürkel und Antonio Rotta bis zu den atmosphärischen, farb-und lichtdurchfluteten Seestücken von Andreas und Oswald Achenbach aus dem 19. Jahrhundert.

Die mit großem Detailreichtum und in beindruckender Perspektivwirkung erfassten Rom-Veduten der großformatigen Radierungen von Giovanni Battista Piranesi aus dem 18. Jahrhundert und die im südlichen Licht von Hugo Paul Harrer dargestellte römische Marktszene stehen als charakteristische Beispiele für die wiederentdeckte Bewunderung antiker Baukunst und die andauernde Italiensehnsucht von Künstlern. Bei der Ausstellungsgestaltung haben wir uns an einigen Stellen (Landschaft, Porträt, Stillleben) für eine Tableau-Hängung entschieden, was einerseits die Vielfalt der Sammlung wiederspiegeln soll und anderseits darauf verweisen kann, dass sich die Themenbilder aus dem reichen Fundus noch ergänzen ließe. So vereint die Ausstellung auch eine Reihe eigenwilliger Porträts und Menschenbilder, die sich insgesamt über annähernd 400 Jahre erstrecken und eine große Breite der Darstellungsmöglichkeiten aufzeigt. Das Antlitz des Dargestellten kann von vorn gesehen (en face), als Halb oder Dreiviertelprofil (en profil), als Brustbild, Halbfigur, Kniestück und sogar als Ganzfigur wiedergegeben werden.

Die prägnante Auswahl zeigt die Vielfalt der Positionen und zugleich die außergewöhnliche künstlerische Qualität, wie z.B. bei Frans Hals, Adolph von Menzel, Franz von Lenbach und Kurt Günther, die empfindsam-sinnliche Bilder vor Augen führen.

Auch bei den Stillleben wurden Werke aus unterschiedlichen Zeiten zusammengestellt, die exemplarisch verschiedene malerische Bildsprachen der natura morta-Thematik vorführen. Ein sanftes Kolorit mit weichem Licht beherrscht das Bildmotiv im Früchtestillleben von Jean Siméon Chardin aus dem 18 Jahrhundert, demgegenüber stehen z.B. die modernen malerischen Formen im Stillleben von Erika Streit, die in der Tradition von Cezanne stehen oder die scharfen Gegenstandskonturen der neusachlichen Malerei von Gustav Schaffer aus dem 20. Jahrhundert. Die thematischen Präsentationen der historischen Sammlungsexponate wurden teils mit Werken zeitgenössischer Künstlerinnen und Künstler konfrontiert, um interessante Dialogräume und Korrespondenzen zu erzeugen, die anregende Assoziationen erwecken und zu neuen Sichtweisen verführen können.

Bei der Konzeption der Ausstellung wurden alle Museumsmitarbeiter und -mitarbeiterinnen in die Erarbeitung einbezogen, die jeweils ihre Lieblingswerke als persönliche Favoriten der Sammlung vorschlagen konnten. Im Ergebnis entstand eine Auswahl, die sich im Wesentlichen auf die sechs Themenbereiche und Gattungen christliche Motive, Landschaft, Porträt, Akt, Stillleben und Genredarstellungen konzentriert.

Öffnungszeiten: Dienstag bis Sonntag und Feiertage 11 bis 17 Uhr

Foto: Dagmar Paczulla

Chemnitz leuchtet

Oltenburg - Zeitgenössische Kunst aus Olten und Altenburg

Anlässlich der 30-jährigen Städtepartnerschaft zwischen dem schweizerischen Olten und Altenburg zeigt das Lindenau-Museum Altenburg die größte Gruppenausstellung seit Jahren: Insgesamt zwölf Künstlerinnen aus beiden Städten präsentieren im Prinzenpalais des Residenzschlosses Altenburg ein Panorama zeitgenössischer Kunst.
Mit jeweils sechs künstlerischen Positionen aus Olten und Altenburg startet das Lindenau-Museum seinen diesjährigen Ausstellungsreigen im Prinzenpalais des Residenzschlosses. In den Ausstellungsräumen hinter den historischen Gemäuern begegnen sich in den kommenden Wochen die Werke von zwölf Protagonistinnen, die den Besucherinnen und Besuchern zugleich die Vielgestaltigkeit, die Verspieltheit und den Themenreichtum aktueller Kunst illustrieren.

Der Ausstellungstitel „Oltenburg“ entstand aus einem fortlaufenden Versprecher, als Olten und Altenburg während der Vorbereitung der Ausstellung immer mehr zum imaginären Ort „Oltenburg“ verschmolzen. Aus dem Arbeitstitel wurde dann der endgültige Titel der Ausstellung.

Die von Miriam Stadie, wissenschaftliche Volontärin am Lindenau-Museum Altenburg, kuratierte Ausstellung sieht jeweils einen Dialog zwischen den Künstlerinnen beider Städte vor.

Zur Ausstellung „Oltenburg – Zeitgenössische Kunst aus Olten und Altenburg“ erscheint ein Katalog, der von Dr. Roland Krischke, Direktor der Altenburger Museen, für das Lindenau-Museum Altenburg herausgegeben wurde. Der reich bebilderte Band enthält Textbeiträge von Eleonora Mariotta, Miriam Stadie und Marina Stawicki Stalder. Infos zum Katalog: 92 Seiten, Texte in deutscher Sprache, der Verkaufspreis beträgt 15 EUR / ISBN: 978-3-86104-080-4

A CHAIR AND YOU

Das GRASSI Museum für Angewandte Kunst zeigt mit A CHAIR AND YOU eine der weltweit bedeutendsten Privatsammlungen von Stühlen, die von über 100 Künstlerinnen und Designern sowie Architektinnen und Architekten von den 1960er Jahren bis heute gestaltet wurden. Diese außergewöhnliche Schau ist einer der Höhepunkte im Jahr 2024, in dem das Museum sein 150jähriges Bestehen feiert.

Der Genfer Unternehmer und Sammler Thierry Barbier-Mueller (1960–2023) trug seit den späten 1990er Jahren unzählige innovative und außergewöhnliche Stuhlobjekte zusammen, deren skulpturaler Charakter weit über die übliche Typologie von Stühlen hinausreicht.
Die Präsentation der rund 140 Stühle wurde dem renommierten amerikanischen Regisseur und Künstler Robert Wilson anvertraut. In einer außergewöhnlichen Inszenierung lässt er die Besucherinnen und Besucher in immersive Welten eintauchen, in denen die Stühle zu Protagonisten einer Theateraufführung werden. Mit Ton, Licht und Gestaltungselementen, die an Bühnenbilder erinnern, wird eine ganz besondere Atmosphäre geschaffen, in der das ikonenhafte Designobjekt Stuhl in seinen zahlreichen Variationen auf ungewohnte Weise entdeckt werden kann. Wilson hinterfragt die Objekte, macht sie sich zu eigen und haucht ihnen Leben ein, um sie selbst sprechen zu lassen.
A CHAIR AND YOU konfrontiert die Gäste mit einer „Oper“ in vier Akten und ebenso vielen Bühnenwelten – mit einer Szenografie, in der anhand der einzigartigen Sammlung von Thierry Barbier-Mueller auch die Geschichte der Kunst und des Designs von den 1960er Jahren bis heute erzählt wird.

Kuratorinnen Chantal Prod'Hom, Lausanne/ CH Charlotte Savolainen-Mailler, Genf/ CH Ausstellungsstruktur und Gestaltung Robert Wilson/ New York, USA

Ein Buch zur gesamten Sammlung ist im Museumsshop erhältlich: The Spirit of the Chair. The Chair Collection of Thierry Barbier-Mueller, Oktober 2022, Lars Mueller Publishers GmbH, 384 Seiten, 927 Abbildungen, 22x30cm (engl./ franz.)

Foto: Bright selection A, copyright Lucie Jansch

Greiz: Frühlingsausstellung „Höfische Gärten und Gewächse“

Der Fürstlich Greizer Park stellt ein so außergewöhnliches Gartendenkmal dar, dass es zu jeder Zeit gerechtfertigt ist, seine Geschichte zu illustrieren. Die im Sommerpalais gesammelten Plan- und Pflanzendarstellungen aus früheren Jahrhunderten bieten hierfür reichliches Illustrationsmaterial, bei dem auch das Auge auf seine Kosten kommt. Der Frühling scheint zudem die passende Jahreszeit, sich besonders an den fein kolorierten Blumen- und Blütendarstellungen zu erfreuen.
Während die das Gebäude umgebenden Blumenbeete mit der Frühjahrsbepflanzung aufwarten, Hecken erblühen und Bäume ergrünen, bieten die Werke in der Ausstellung hochrangige Beispiele künstlerischer Pflanzendarstellung und Zeugnisse ambitionierter Gartengestaltung.
Die bereits zur Bundesgartenschau 2021 konzipierte Ausstellung konnte wegen der Corona-Pandemie nicht gezeigt werden. Der Frühling 2024 ist ein willkommener Anlass, die Lücke zu schließen und die Ausstellung nachzuholen.

Geöffnet Di-So 10-17 Uhr

Abbildung: Jakobslilie (Amaryllis formosissima. Hexandria monogynia), Gouache auf Pergament, um 1800, Aus dem Nachlass der Prinzessin Elizabeth von Großbritannien (1770-1840)

Foto: Christian Freund

Papier zum Sprechen bringen

Zur Feier ihres 80. Geburtstages zeigt das Lindenau-Museum in einer erweiterten KUNST WAND-Ausstellung Papierarbeiten der in Mildenfurth bei Gera lebenden Künstlerin Marita Kühn-Leihbecher.

Das Schöpfen steht am Beginn eines Arbeitsprozesses, an dessen Ende sich  außergewöhnliche Kompositionen aus Material, Form und Farbe mit der Idee zu einer harmonischen Einheit verbinden. Der Einblick in die papierne Welt Kühn-L eihbechers gleicht dem Beobachten und Eintauchen in ein fragiles, aber unendlich vielseitiges Universum. Der Blick der Betrachtenden wird auf die Schichten aus Papier, die Linien und Formen gelenkt sowie zuletzt auf die feinen Verästelungen der einzelnen Fasern, die auf dem Material eine eigene Landkarte bilden. Die handwerkliche Technik des Papierschöpfens beherrscht die Künstlerin in jedem einzelnen Schritt, von der Bearbeitung
der pflanzlichen Materialien bis zur Fertigstellung eines Blattes. 

Nach dem Schöpfen beginnt die Schöpfung – von der Idee, welche Teile sich in- und übereinanderlegen, bis hin zur Sichtbarmachung dessen, was Kühn-Leihbecher beschäftigt und bewegt. Mal entscheidet sie selbst, mal das Papier -und manchmal auch der Himmel: Regentropfen hinterlassen auf dem noch nicht getrockneten Papier häufig feine Spuren. In das selbstgeschöpfte Papier baut die Grafikerin Verstecke für von ihr gefundene Papiere und Bilder, die sie faszinieren und festhalten, ein. Es entstehen Fenster mit Augen, die aus dem Blatt auf die Welt schauen. Die kurzen, oft nur aus einem Wort bestehenden Titel sind stille Wegweiser, die keine eindeutige, aber eine mögliche Richtung angeben. Zur Ausstellung erscheint ein Katalog.

Der Jahrhundert-Schatz vom Henneberg in Thüringen

Bis zum 19. Mai präsentiert das Museum für Naturkunde Gera die Kabinettausstellung „Der Jahrhundert-Schatz vom Henneberg in Thüringen“. Ein aufsehenerregender Mineralienfund aus dem unter Mineraliensammlern populären Steinbruch Henneberg bei Wurzbach in Thüringen wird mit 25 Mineralstufen erstmals so umfangreich in der Öffentlichkeit präsentiert.

Entdeckt wurde der „Schatz“ vom begeisterten Mineraliensammler Karl-Heinz Jankowski (1947-2021), der beim Besuch des Steinbruchs am 30. Oktober 1994 das seltene Glück hatte, eine reichlich 70 bis 80 cm große Kristalldruse entdecken und öffnen zu können. Die Mineralien, die er mit seinen Händen aus dem Hohlraum nehmen konnte, sind spektakulär. Nach dem Öffnen der Kristalldruse konnte Karl-Heinz Jankowski die meisten Mineralienstufen sogar ohne weiteren Aufwand entnehmen, weil sich diese im Laufe ihrer Existenz von der Drusen-Innenseite gelöst hatten und nur locker darin lagen. Die Mineralienstufen, die im Oktober 1994 „das Licht der Welt erblickten“, gehören hinsichtlich ihrer Größe und Qualität zu den besten Stücken, die jemals im Steinbruch Henneberg gefunden wurden. Mit Fug und Recht können sie darüber hinaus zu den Höhepunkten der Mineralienfunde ganz Thüringens gerechnet werden.

Die in der Druse gefundenen Mineralien umfassen Rauchquarz, Baryt, Orthoklas, Albit, Fluorit, Fluorapatit und Hämatit. Die Rauchquarze sind oft hochglänzend, teilweise transparent und bilden bis zu 20 cm große, „artischockenartig“ geformte Kristalle. Zum Teil handelt es sich um ringsum kristallisierte „Schwimmer-Kristalle“. Etwa bis zu 10 cm Größe erreichen die Orthoklase, die auch als Manebacher Zwillinge vorkommen. Fluorit kam zwar nur wenig in der Druse vor, die vorhandenen Kristalle sind jedoch lila-violett und bilden Oktaeder. Die dunkelgrünen Fluorapatite erreichen bis zu 1 cm Größe. Der Berufs-Chemiker Karl-Heinz Jankowski hatte den Steinbruch Henneberg sehr oft besucht und auch bereits bei anderen Exkursionen interessante Mineralstufen geborgen.

Der Steinbruch Henneberg ist nach wie vor ein aktiver Steinbruch, in dem hochwertiger Granit abgebaut wird. In der Region des Thüringer Schiefergebirges ist der Henneberg-Granit der einzige abbaubare Granit mit besten baustofftechnischen Eigenschaften. Die Granitwerk Fischer GmbH & Co. KG ist der Betreiber des Steinbruchs. Fast 100 verschiedene Mineralarten sind aus dem Steinbruch insgesamt bekannt, darunter auch seltenere Benennungen. Die Mineralvielfalt erzeugt deshalb immer wieder „leuchtende Augen“ bei Mineraliensammlern.

Die Ausstellung im Geraer Museum für Naturkunde wurde insbesondere von Karl-Heinz Jankowskis Lebensgefährtin Marlis Hofmann ermöglicht, die die Sammlungsstücke ihres 2021 verstorbenen Partners zur Verfügung gestellt hat.

Foto: Rauchquarz, Fluorapatit, Albit, Hämatit, 13 x 12 cm (Foto: Matthias Reinhardt)

Elly-Viola Nahmmacher: EWIGKEIT IN HOLZ

Elly-Viola Nahmmacher ist eine der bedeutendsten Greizer Künstlerinnen – viele Greizer durften sie als engagierte Künstlerin, verständnisvolles Vorbild, Zuhörerin, Lehrerin, Wegbegleiterin, Freundin erleben. Haus und Garten der Künstlerin war ein Ort der Gastfreundschaft, Offenherzigkeit und Kommunikation, denn der Garten war ihr Freiluftatelier, wo viele Arbeiten entstanden. Das verwendete Holz stammte nicht selten von Bäumen aus dem Greizer Park, die Stürmen zum Opfer gefallen waren und fügten sich mit ihrer individuellen Holzstruktur in die Genese des künstlerischen Schaffensprozesses ein.

Durch die Vielzahl ihrer sakralen Kunstwerke ist sie in zahlreichen Kirchen von Greiz, des Umlandes und im gesamten Bundesgebiet gegenwärtig. Zum Ende des Jubiläumsjahres anlässlich ihres 110. Geburtstages präsentieren die Museen der Schloss- und Residenzstadt Greiz in den Räumlichkeiten der Schlosskirche des Museums im Oberen Schloss eine Sonderausstellung zur Künstlerin. Der Ausstellungsort wurde mit bedacht gewählt, denn einen großen Teil ihres umfangreichen Oevres widmete sie religiös-christlichen Themen - einem Spannungsbogen zwischen Vergänglichkeit und Ewigkeit. Die ausgestellten Kunstwerke bauen eine Brücke in die gelebte und erlebte Vergangenheit der DDR-Realität sowie in die unbestimmbare Zukunft. Ihre Kunst steht für das Ewige und verkörpert eine Hoffnung, deren Kraft jeder Skulptur fühlbar immanent ist. Gerahmt wird die Ausstellung mit Gedichten der literarischen Weggefährten Reiner Kunze und Günther Ullmann. Die ausgestellten Werke stammen aus den musealen Sammlungen der Museen der Schloss- und Residenzstadt Greiz und werden durch einzelne Leihgaben ergänzt.

Im Mittelpunkt der Ausstellung steht der große Flügelaltar aus der Evangelisch-lutherischen Filialkirche Greiz Aubachtal, welcher nach der im Juni 2021 durchgeführten Entwidmung der Kirche, nun seinen neuen Standort in der Schlosskirche des Oberen Schlosses gefunden hat. Mit dieser dauerhaften Leihgabe der Evangelischen Kirche in Mitteldeutschland an die Museen der Schloss- und Residenzstadt Greiz wird die Wichtigkeit der gemeinsamen Bewahrung und Pflege des kulturellen Erbes verdeutlicht.

Auftakt für Weimar Contemporary

Zum Auftakt der neuen Reihe Weimar Contemporary zeigt die Klassik Stiftung Weimar ab 7. Juni bis 1. November 2024 die Sonderausstellung Olaf Metzel: Deutschstunde in Schloss Belvedere und im Liszt-Haus.

Der Münchner Bildhauer und Objektkünstler hat sich intensiv mit der deutschen Geschichte, ihren Um- und Aufbrüchen auseinandergesetzt. Neben eigens für Weimar entstehenden Arbeiten sowie einer neuen Version von „NSU“ (2013/24) werden in Schloss Belvedere Installationen Metzels zum Aufeinandertreffen von Orient und Okzident wie „Kebap Monument“ (2007) oder „Turkish Delight“ (2006) zu sehen sein. Seine Werke thematisieren politische und soziale Zustände und Befindlichkeiten. Sie bilden ein Angebot, sich mit der eigenen Kultur und Gesellschaft produktiv auseinanderzusetzen. Im Liszt-Haus ermöglichen bisher kaum gezeigte Zeichnungen, Entwurfsskizzen und Modelle einen biografischen Einblick in den Werkprozess des klassisch ausgebildeten Bildhauers.

Mit der Reihe Weimar Contemporary bündelt die Klassik Stiftung Weimar ihre Aktivitäten im Bereich der zeitgenössischen Kunst und rückt sie verstärkt in den Fokus. Weimar Contemporary findet an jährlich wechselnden Orten statt.

Vier Frauen. Vier Lebensläufe. Fotografieren in der DDR

Die Ausstellung präsentiert Arbeiten der vier Fotografinnen Christine Stephan-Brosch, Evelyn Krull, Gerdi Sippel und May Voigt. Die Hauptakteurinnen der Ausstellung sind verknüpft durch das Leben in der DDR und ihre Arbeit als Fotografinnen. Die Schau präsentiert dabei Werke, die bis zur politischen Wende 1989 entstanden sind, und zeigt die unterschiedlichen Perspektiven auf die gesellschaftlichen und politischen Gegebenheiten.

Eng verbunden mit der sächsischen Kulturszene ist Christine Stephan-Brosch, die seit den 1960er Jahren eine Vielzahl an Künstler:innen porträtiert hat. Evelyn Krull überzeugt mit ihrer Sicht auf das Körperliche. Bereits in den 1970er Jahren beginnt sie Akte zu fotografieren. Gerdi Sippel hält mit ihren Fotografien verschiedene Arbeitsprozesse fest. Dunkel gehaltene Momentaufnahmen, in denen das Licht eine entscheidende Rolle spielt, prägen die Arbeiten von May Voigt. Zur Ausstellung erscheint ein umfangreicher Katalog im Sandstein Verlag.

Abbildung: Evelyn Krull, Körpersprache XVII, 1986 Leihgabe Evelyn Krull © Evelyn Krull

Foto: Kunstsammlungen Chemnitz/Frank Krüger

Zwickau: Nach „Windschnittig?“ kommt „Form vollendet?“!

Über 20 Großexponate, eine Vielzahl an Modellen, interaktiven Displays und eine Experimentierstation beschreiben Titel und Thema. Dabei verdeutlichen einzigartige und seltene Fahrzeuge die Verbindung von Form und Luftwiderstand in verschiedenen Facetten. Inhalte und Gestaltung der Ausstellung entstanden in enger Zusammenarbeit mit der Agentur ö_konzept.

Nach dem Zweiten Weltkrieg wird in Deutschland die Automobilproduktion langsam wieder aufgenommen. Die Aerodynamik von Fahrzeugen spielt dabei in den ersten Jahren eine untergeordnete Rolle. Vielmehr werden die in den 1930er Jahren oft noch separat angesetzten Kotflügel und Scheinwerfer nun in die Karosserie integriert, die Übergänge zwischen den drei Körpervolumen harmonisch verrundet. Die gesamte Karosserie-Außenhaut wird glattflächiger. Damit entsteht die Pontonform, die zum Credo der 1950er Jahre wird. Bis auf wenige Ausnahmen bleibt die Karosserieentwicklung bis Ende der 1960er Jahre diesem Grundprinzip verhaftet. Auch beim Kleinst- und Kleinwagensegment wird von der Kundschaft meist nur die aerodynamisch schwierige Stufenheckform akzeptiert. Ausnahmen bilden allein die Leichtbaufahrzeuge ehemaliger Luftfahrtingenieure/-konstrukteure mit von Flugzeugen inspirierten stromlinienförmigen Karosserien. Der durchschnittliche Luftwiderstandsbeiwert dieser Karosserieform liegt bei 0,45 – 0,5.

Aerodynamik gewinnt erst durch die Ölkrise in den 1970er Jahren wieder verstärkt an Bedeutung und wird integraler Bestandteil bei der Fahrzeugentwicklung. Als ein effizientes Mittel zur Verbrauchsreduzierung erlangt das Thema Aerodynamik europaweite Aufmerksamkeit auch von Seiten staatlicher Regierungen, die zum Teil Forschungsprogramme finanzieren. Zahlreiche Fahrzeughersteller wie BMW, Mercedes-Benz und VW bauen in diesen Jahren eigene Windkanalzentren. Auch in der früheren Deutschen Demokratischen Republik (DDR) wird auf dem Gebiet der Aerodynamik intensiv geforscht. Allerdings gelingt die Umsetzung in moderne Fahrzeuge aufgrund der vorhandenen wirtschaftlichen Probleme nicht.

Parallel dazu sorgen atemberaubende Konzeptfahrzeuge von bekannten Designbüros wie etwa Pininfarina, Bertone oder Italdesign / Giugiaro dafür, dass die Keilform zur bestimmenden Automode der 1970er und 1980er Jahre wird. Dabei ist die Keilform auch aerodynamisch effektiv, indem sie mit flacher Front und hohem Heck wie ein Spoiler Anpressdruck zwischen Fahrzeug und Straße erzeugt. Dies ist vor allem im Motorsport von großer Bedeutung, besteht eine Rennstrecke doch nicht nur aus langen Geraden, sondern auch aus engen und zum Teil schnellen Kurven.

Im Rahmen der gegenwärtigen Transformation zur Elektromobilität übernimmt die Reduzierung des Luftwiderstandes erneut eine wichtige Rolle bei der Fahrzeugentwicklung. Im Vordergrund steht die Einsparung von Antriebsenergie.

www.horch-museum.de

Foto: CITROËN CX, 1975

Jena: Caesar, Kleopatra und Co im Porträt

Jena (Uni/sl) Wie sahen die römischen Kaiser aus? Welche Frisuren trugen die Kaiserinnen? Wie wurden griechische Dichter und Denker dargestellt? Antworten auf diese und viele weitere Fragen finden Besucherinnen und Besucher der Ausstellung „Hall of Fame. Antike Porträts im Fokus“, die bis zum 12. Juli im Institut für Altertumswissenschaften (Fürstengraben 25) der Friedrich-Schiller-Universität Jena gezeigt wird. „Wir zeichnen exemplarisch die Entwicklung des antiken Porträts nach und zeigen eine Auswahl von griechischen Bildnissen bis hin zu Kaiserporträts aus dem 3. Jahrhundert nach Christus“, sagt Dr. Anne Gürlach, die als Wissenschaftliche Mitarbeiterin am Lehrstuhl für Klassische Archäologie die Ausstellung kuratiert. Die Idee und das Konzept entstanden gemeinsam mit Studierenden in einer Lehrveranstaltung. 

Keine Frauenporträts in den Jenaer Antikensammlungen 

„Die Erfindung des rundplastischen Porträts zur Darstellung von historischen Personen ist eine der großen Errungenschaften der griechischen Kunst“, sagt Dr. Anne Gürlach. Nachdem die Bronzestatuen archaischer und klassischer Zeit vorrangig Gottheiten darstellten, wurden erst seit dem 5. Jahrhundert vor Christus berühmte historische Persönlichkeiten in Marmor gezeigt. Die Römer kopierten diese Vorbilder vielfach und entwickelten die Porträtkunst intensiv weiter zur Darstellung eigener Zeitgenossen – nun nicht immer in Form von vollformatigen Statuen, sondern als rundplastische Köpfe und Büsten. In der neuen Ausstellung des Lehrstuhls für Klassische Archäologie werden vorwiegend Gipsabgüsse von diesen antiken Porträts gezeigt, die Stücke stammen aus den Sammlungsbeständen der Jenaer Universität, ergänzt um Leihgaben der Universität Leipzig. „Kurioserweise befinden sich in der Jenaer Sammlung keine historischen Porträts von Frauen“, sagt Anne Gürlach. Die Gipsabgüsse antiker Plastik kamen im 19. Jahrhundert in Europa groß in Mode – als viele der griechischen Originale und deren römische Kopien bereits über viele Museen verstreut waren. „Zu den einzelnen Exponaten gibt es spannende Geschichten zu erzählen“, sagt Anne Gürlach. Für die Gäste der Ausstellung stehen für ergänzende Informationen Tablets oder Audioguides bereit, deren Texte zu den einzelnen Objekten Studierende des begleitenden Proseminars eingesprochen haben. So erfahren Besucherinnen und Besucher Wissenswertes über die Entstehung der Porträts, über deren Rezeptionsgeschichte und natürlich über die dargestellten Personen.

Die Zuweisung der Porträts ist nicht immer einfach

Als „Hall of Fame“ sind in der Ausstellung große Namen der Antike versammelt, darunter Homer und Sappho, Perikles und Caesar ebenso wie Augustus und Kleopatra. „Inwieweit es sich tatsächlich um eine realistische Darstellung der jeweiligen Person handelt oder die Zuschreibung korrekt erfolgte, ist nicht immer sicher“, sagt Anne Gürlach. Während die Benennung mancher Bildnisse – wie etwa von Alexander dem Großen bzw. den römischen Kaisern – entweder über die zeitgenössische Münzprägung oder über Namensbeischriften gesichert ist, bleibt sie für andere Bildnisse auch noch nach Jahren der Forschung unsicher. In der Ausstellung sind die antiken Porträts thematisch und zeitlich gruppiert und werden um originale Alltagsgegenstände aus dem Leben der Porträtierten ergänzt; Karten und ein Zeitstrahl erleichtern dem Besucher die Orientierung in der „Hall of Fame“.

Unter dem Motto »Vom Feld ins Netz – Antike DIGital erleben« werden begleitend zur neuen Sonderausstellung aktuelle und abgeschlossene Forschungs- und Bildungsprojekte des Jenaer Lehrstuhls für Klassische Archäologie präsentiert: 3D-Modelle, Orthofotografien, digitale Ausstellungen, Audioguides und ein Podcast vermitteln beispielhaft Themen und Inhalte des Faches. 

Geöffnet ist donnerstags 12 bis 14 Uhr, freitags und samstags 13 bis 17 Uhr. Jeden Samstag von 15 bis 16 Uhr gibt es Themenführungen durch die Ausstellung. Der Eintritt ist kostenfrei, weitere Führungstermine für Gruppen können vereinbart werden: https://www.gw.uni-jena.de/klass-arch-sammlungen-fuehrunganfrage.

Foto: Die Kuratorin der neuen Sonderausstellung an der Universität Jena, Dr. Anne Gürlach, platziert den Gipsabguss eines Porträts der römischen Kaiserin Julia Domna. (Foto: Jens Meyer/Universität Jena)

Gera: Früher Sammler, heute Nerd

Das Museum für Naturkunde in Gera präsentiert mit „Früher Sammler, heute Nerd“ eine neue Sonderausstellung. Dabei geht es um das Sammeln an sich, denn die Menschen begannen ihre historische Existenz als Jäger und Sammler. Das Auflesen von Nahrung oder Materialien für die Werkzeugherstellung war überlebenswichtig. Doch schon in der Steinzeit ging das Sammeln von Rohstoffen und Ideen über die primäre Versorgung hinaus, wie man anhand früher Schatzkammern, gefüllt mit steinernen Venus-Figurinen, erkennen kann. Psychologen sprechen von einem der Individualentwicklung aller Menschen eigenen Bedürfnis. Sammeln bedeutet Abstrahieren, Ordnen, Begreifen. Das Systematisieren vorgefundener Objekte schafft Übersicht in der Vielfalt und trägt zum Verständnis der uns umgebenden Lebenswelt bei.

Die Ausstellung widmet sich dem Sammeln und Bewahren naturwissenschaftlicher Objekte früher und heute. Welche Motivation stand hinter den Sammlern, in welcher Art und Weise entstanden ihre Kollektionen? Anhand von Sammlungen des Hauses wird deutlich, dass sie die Grundlage für Erkenntnisse der natur- und erdgeschichtlichen Vielfalt der Region und darüber hinaus lieferten. Ihre Pflege, Erweiterung und forschende Nutzung ist im Angesicht des weltweiten Artensterbens wichtiger denn je. Die Sammler von gestern finden ihre Nachfolger in den Nerds von morgen.

Neugierige erwartet im historischen Barockzimmer eine breite Palette von Mineralen, Gesteinen und Fossilien im Kontext der Biografien ihrer Sammler – von Bürgern Geras aus der Goethe-Zeit bis hin zu aktuellen Methoden der Präparation und Restauration. Im Foyer verweisen Paradiesvögel und Großwild-Trophäen aus der deutschen Kolonialgeschichte auf den Raubbau an der Natur aus Prestigegründen. Historische Insekten-, Pflanzen- und Pilzsammlungen können mit ihren modernen, wissenschaftlich geführten Pendants verglichen werden, indem die dahinterliegende Motivation, die verwendeten Mittel und Methoden sowie deren Ergebnisse präsentiert werden. Ein kleiner Exkurs zeigt den individuellen Werdegang vom Kastaniensammeln in der Kindheit über klassische Fehler und Irrtümer der ersten Amateursammlung bis hin zur Professionalisierung. Es werden großformatige FAQs, also häufig gestellte Fragen, zu Sinn und Nutzen privaten und wissenschaftlichen Sammelns in der heutigen Gesellschaft beantwortet und so mehr Mut zur „Nerdiness“ im positivsten Sinne gemacht.

Die Mitarbeiter des Museums für Naturkunde haben die Ausstellung in Handarbeit aus größtenteils eigenen Magazinbeständen gestaltet und mit umfangreichen Hintergrundwissen aus Historie und Gegenwart ergänzt.

Zu sehen bis zum 11. August, jeweils dienstags bis sonntags von 11 bis 17 Uhr 

Zum Foto: Der Rote Paradiesvogel Paradisaea rubra aus Neuguinea wurde im 19. Jahrhundert als Kolonialware intensiv gesammelt, um daraus Hutschmuck zu fertigen.

Gera: Glas-Kunst und Blumenbilder im Haus Schulenburg

Lutherhaus Eisenach verlängert erfolgreiche Sonderausstellung

Die Stiftung Lutherhaus Eisenach verlängert ihre aktuelle Sonderausstellung „Erforschung und Beseitigung. Das kirchliche ‚Entjudungsinstitut‘ 1939–1945“ bis Ende 2024. Die kritische Schau über ein dunkles Kapitel der Kirchengeschichte wurde seit ihrer Eröffnung – trotz aller Einschränkungen durch die Corona-Pandemie – inzwischen von über 24.000 Gästen besucht. Die gleichnamige Begleitpublikation zur Ausstellung erlebte zugleich eine so hohe Nachfrage, dass sie inzwischen in dritter Auflage erschienen ist. Derzeit wird eine unbefristete Verlängerung der Ausstellung geprüft.

„Angesichts der besorgniserregenden Zunahme antisemitischer Ansichten – auch in kirchlichen und akademischen Milieus – scheint unsere Sonderausstellung leider aktueller denn je zu sein“, sagt Museumsdirektor Dr. Jochen Birkenmeier. „Die bösartige Mischung aus Verschwörungsmythen, Judenhass und Pseudo-Wissenschaft zeigt im Falle des sogenannten Entjudungsinstituts beispielhaft, welche Folgen ideologische Verblendung und die Dämonisierung von Minderheiten haben können. In Zeiten wachsender Demokratieverachtung soll unsere Ausstellung deshalb weiterhin der Aufklärung und Mahnung dienen.“

Über die Sonderausstellung „Erforschung und Beseitigung“

Seit 2019 zeigt die Stiftung Lutherhaus Eisenach auf einer Fläche von knapp 120 Quadratmetern die Hintergründe, die Arbeit und die Nachwirkungen des 1939 in Eisenach gegründeten „Instituts zur Erforschung und Beseitigung des jüdischen Einflusses auf das deutsche kirchliche Leben“. Im Rahmen museumspädagogischer Angebote können sich zudem Schüler- und Erwachsenengruppen unter anderem über die Wurzeln des kirchlichen Antisemitismus informieren und darüber diskutieren, wie man in der heutigen Zeit für Toleranz und Dialog einstehen kann. Bei weiteren Workshops können sich die Teilnehmer:innen in dreisprachiger Kalligraphie üben oder die Riten und Symbole des Judentums kennenlernen.

Foto © Stiftung Lutherhaus Eisenach (Sascha Willms)

Leipzig: BEFLÜGELNDES FIEBER. Jugendstil im Grassi

Vertreten sind Arbeiten unter anderem von Emil Gallé, Henry van der Velde, Peter Behrens und Joseph Maria Olbrich sowie bekannter Firmen und Manufakturen wie Johann Lötz Witwe, WMF, Meissen und KPM. Die Ausstellung umfasst Vasen, Schmuck und Dekor, aber auch Gegenstände des täglichen Lebens wie Geschirr und Besteck.

Eine Vielzahl der ausgestellten Werke stammt aus der Sammlung des Nürnberger Ehepaars Pese, die im Jahr 2020 als Schenkung in das Museum kam. Ergänzt wird die Schau durch Erwerbungen der letzten zwei Jahrzehnte aus dem umfangreichen Bestand des Museums. Bereits seit den späten 1890er Jahren hat das Museum Jugendstil gesammelt. Vor gut einem Jahrhundert war dies ein klares Bekenntnis zur Moderne und eine Abkehr des als verstaubt wahrgenommenen Historismus der Gründerzeit: auch Leipzig hatte das „beflügelnde Fieber“ erfasst.

Der Ausstellungstitel geht auf ein Zitat Robert Musils (1880 – 1942) zurück, der treffend die Zeit der Jahrhundertwende beschreibt, in der sich plötzlich dieses Fieber in ganz Europa ausgebreitet habe und ein Zeitenwandel stattfand. Eine Vielzahl der rund 350 ausgestellten Objekte stammt von dem Ehepaar Pese, dessen Sammlung zunächst als Leihgabe ins GRASSI Museum für Angewandte Kunst gekommen war. Im Oktober 2020 wurde sie dem Haus als Schenkung übereignet. Dr. Claus Peses Leidenschaft für den Jugendstil und den Historismus gründet auf seiner jahrzehntelangen professionellen Auseinandersetzung als Kunsthistoriker mit diesen Epochen. Fast dreißig Jahre war er im Germanischen Nationalmuseum in Nürnberg tätig und bearbeitete dort die schriftlichen Nachlässe aus allen Bereichen der bildenden Kunst. Bereits in seiner Dissertation (1980) beschäftigte er sich mit dem Jugendstil und spezialisierte sich dabei auf Werke, Firmen und Persönlichkeiten dieser Zeit aus seiner Heimatstadt Nürnberg. Seine Sammlung beschränkt sich aber keinesfalls auf diesen regionalen Bezug, sondern erweitert sich auf Werke aus ganz Deutschland, Frankreich, Tschechien usw. Im Jahr 2007 erschien eine umfassende Publikation zu diesem Thema. Daneben folgten weitere Publikationen, Vorträge und Essays zu den verschiedensten Bereichen der Epoche. Die Ästhetik der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts, dessen kulturelle Phänomene wie Künstlerkolonien und die verschiedenen, teilweise gegensätzlichen Bewegungen dieser Zeit faszinierten ihn sehr und führten dazu, dass er sich auch privat mit jenen Objekten umgeben wollte. Seine gemeinsam mit seiner Frau Maria aufgebaute Sammlung beschränkt sich aber keinesfalls auf diesen regionalen Bezug, sondern erweitert sich auf Werke aus ganz Deutschland, Frankreich, Tschechien usw. Die Sammlung Pese umfasst rund 120 Positionen des Art Nouveau aus Frankreich, Belgien und Deutschland. Darunter befinden sich Werke aus Metall, Glas, Porzellan und Holz. Vornehmlich handelt es sich um Dekorationsobjekte wie Vasen, Kerzenleuchter, Plastiken oder Figuren, aber auch Medaillen, Möbel und Gegenstände des täglichen Gebrauchs wie Tee- und Kaffeekannen, Geschirr, Besteck oder ein erster elektrischer Heißwasserkessel sind vertreten.

Ein umfangreiches Begleitprogramm ergänzt die Ausstellung durch Lesungen, Stadtführungen & kreative Workshops.

Foto: Felix Bielmeier